Au début du siècle se développe dans toute l'Europe une tendance décorative et ornementale influencée par la nature, les fleurs et la végétation. Les principales manifestations sont visibles dans les domaines de l'architecture et du mobilier urbain. Plusieurs artistes, architectes, artisans d'art se signalèrent dans des réalisations somptueuses: les architectes Victor Horta en Belgique, Hector Guimard en France (les bouches du métro parisien, c'est lui !), Antonia Gaudi en Espagne (Barcelone); le peintre Gustav Klimt à Vienne en Autriche, le dessinateur d'affiche tchèque Mucha; le créateur de lampes américain Tiffany...

Victor Horta, Hotel particulier, Bruxelles.

Hector Guimard, Station de métro, Paris

Hector Guimard, Station de Métro, Paris

Mucha, Affiche pour l'imprimeur Champenois.

Gustav Klimt, Le baiser, technique mixte

Antonio Gaudi, La sagrada familia, cathédrale de Barcelone (toujours en construction !)

Emile Gallé, Vases, pâte de verre

Les maîtres
Pablo Picasso (1881-1973), comme Henri Matisse fut l’un des premiers à s’intéresser aux masques africains qui firent leur apparition en Europe avec la colonisation. Les demoiselles d’Avignon furent l’une des premières toiles s’inspirant directement de l’art « nègre ». Picasso traversa les ¾ du XX° siècle. Cette exceptionnelle longévité lui permit d’explorer différentes voies. Parmi les périodes les plus importantes, la période bleue, dans laquelle Picasso représente la misère humaine dans des teintes froides, a les faveurs du public, mais c’est la période cubiste qui a fait sa notoriété. Picasso, mais aussi son ami Georges Braque (1882-1963) et d’autres artistes comme Juan Gris développèrent une vision du monde dans laquelle ils essayèrent de montrer plusieurs dimensions d’un même objet. Comme pour le fauvisme, c’est un mot d’esprit de Louis Vauxcelles qui donna le nom au mouvement en parlant des « petits cubes » de Braque…

Les différentes périodes de Pablo Picasso :
1895-1900 : période naturaliste
1901-1904 : période bleue
1905-1907 : période rose
1908-1911 : période cubiste
1912-1914 : période décorative
1915-1925 : période réaliste classique
1926-1945 : période surréaliste
1945-1973 : période récapitulative, pendant laquelle il fait la synthèse de toutes les formes précédentes…

Pablo Picasso, Autoportrait bleu, huile sur toile

Pablo Picasso, Les demoiselles d'Avignon, 1907, huile sur toile, 244 x 234 cm

Pablo Picasso, Guernica, 1937, huile sur toile, 351 x 782 cm

Dadaïsme et surréalisme
Le dadaïsme est l’un des précurseurs du mouvement surréaliste. Ce mouvement à vocation largement ludique et provocatrice chercha à libérer la créativité, par l’humour, la surprise. Marcel Duchamp (1887-1968), Francis Picabia, Tristan Tzara furent les membres les plus éminents de ce mouvement éphémère et chaotique.

Marcel Duchamp, Fontaine, 1917, urinoir renversé et signé R. Mutt

Cette œuvre est certainement la plus célèbre de son auteur. Il présenta ce banal urinoir lors d’une exposition soit-disant d’avant-garde à New York. Se contentant de le retourner et de le présenter comme une œuvre parce qu’il en décide ainsi, en tant qu’artiste, il pousse les limites de l’œuvre d’art et provoque un scandale.

Le surréalisme rechercha dans les pans inexplorés de l’esprit de nouvelles voies pour la créativité. Les théories psychanalytiques et un certain goût pour l’absurde permirent l’éclosion d’une grande diversité de créations, tant littéraires (les cadavres exquis) que picturales. Si Georgio De Chirico (1888-1978) ou Paul Delvaux (1897-1994) sont restés méconnus, René Magritte (1898-1967) et Salvador Dalì (1904-1989) sont devenus de véritables stars ! ! ! Leurs peintures sont reproduites sous la forme de posters, de cahier, de tasses, de coussins et de tas d’autres produits dérivés de plus ou moins bon goût, témoignant que cet art onirique (incitant à la rêverie) a rencontré un large public.

 

René Magritte, La trahison des images, 1929, huile sur toile.

Salvador Dalì, La persistance de la mémoire, 1931, huile sur toile

L’abstraction
On raconte qu’un jour, Kandinsky trouva dans son atelier une de ses toiles que sa femme de ménage avait reposée la tête en bas. On ne reconnaissait plus le sujet et c’est cela qui a plu au peintre ! De là lui serait venue l’idée de créer des œuvres abstraites… La vérité est probablement moins rigolote et c’est au terme d’une recherche sérieuse et très intellectuelle que Kandinsky abandonna progressivement la figuration (la représentation de choses issues de la réalité) pour l’abstraction (la représentation d’idées, d’émotions, de sentiments impalpables et non visibles).
L’art abstrait donna naissance à de nombreux courants, certains peu connus : l’abstraction lyrique (Kandinsky), la peinture non-figurative, l’abstraction géométrique (Piet Mondrian), l’expressionnisme abstrait (Jackson Pollock)…

Wassili Kandinsky, Composition, 1920, huile sur toile, abstraction lyrique.

Piet Mondrian, Composition avec rouge, bleu et jaune, 1921, huile sur toile, abstraction géométrique.

Au XIX° siècle, pour provoquer, Alphonse Allais avait réalisé une toile toute rouge intitulée « La récolte de la tomate sur le bord de la mer rouge par des cardinaux apoplectiques ». les artistes du XX° siècle poussèrent la recherche abstraite vers la simplicité et jusqu’au monochromatisme (l’utilisation d’une seule couleur).

Kasimir Malevitch, Carré blanc sur fond blanc, huile sur toile

Les travaux de Kasimir Malevitch (1878-1935), peintre d’origine russe, le conduisirent à rechercher la plus grande simplification, la frontière de l’art, ses extrèmes limites. Ses œuvres les plus emblématiques sont « Carré noir sur fond blanc » et « Carré blanc sur fond blanc » qui ne représentent rien d’autre que ce que le titre indique. Effrayé par son audace il renonça ensuite à ce type de toiles et poursuivit une carrière plus conventionnelle.

Yves Klein, Monochrome bleu (IKB3), 1957, pigments et résine sur toile

Yves Klein (1928-1962), artiste français, réalisa de nombreux monochromes, dont la particularité était la couleur bleue étendue de façon parfaitement uniforme. Un bleu spécial qu’il inventa et déposa comme un brevet d’ingénieur, le International Klein Blue (IKB). Klein fut aussi bien peintre que sculpteur ou performeur avec ses amis du groupe des Nouveaux Réalistes (Arman, César, Spoerri, Tinguely…).

Pierre Soulages, Outrenoir, huile sur toile

Pierre Soulages (né en 1919 et toujours vivant !) réalisa l’essentiel de son œuvre avec l’utilisation du noir. Mais les traces en relief de la matière de la peinture noire jouent avec la lumière et les reflets. Il explore la profondeur du noir de Chine dans ce qu’il appelle l’Outrenoir.

Jackson Pollock, Sans titre et photo d'atelier, 1950, huile sur toile.

Arman, Chopin's waterloo, 1961, fragments de piano collés sur bois, nouveau réalisme.

Pop Art
Ce courant s’est inspiré des objets courants, de la publicité et de la société de consommation des années 60. Les boîtes de conserve de la marque de soupe Campbell, l’image de Marilyn Monroe, les coupures de journaux (Andy Warhol), les héros ou sujets tirés de la BD (Roy Lichtenstein) sont des sujets utilisés par les artistes du Pop art.

Richard Hamilton, Qu'est-ce qui rend nos intérieurs d'aujourd'hui si séduisants, si sympathiques ? 1956, collage.

Roy Lichtenstein, M-Maybe, 1965, acrylique sur toile.

Robert Rauschenberg, Sans titre, 1964, sérigraphie et acrylique sur toile

Andy Warhol (1928-1987), photographe et peintre, a dénoncé la société de consommation en réalisant des toiles où l’objet du quotidien était représenté dans de grandes séries, avec ou sans variations. Les boîtes de soupes Campbell furent l’un de ses sujets de prédilection. En poussant la logique encore plus loin, il développa cette idée avec des stars du cinéma ou de la chanson comme Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor ou encore des hommes politiques (Mao). Cette fascination pour les objets ou les personnages du quotidien se retrouve chez de nombreux artistes, même dans les dernières générations.

Andy Warhol, 200 boîte de soupe campbell, 1962, sérigraphie sur toile

Andy Warhol, 20 Marilyn, 1962, sérigraphie et acrylique sur toile

Renzo Piano et Richard Rogers, Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou, 1977, Paris.

Jean Tinguely et Niki de Saint Phalle, La fontaine Stravinsky, 1982, sculptures animées, Paris.

Ieoh Ming Pei, La pyramide du Louvre, 1988, Paris.

Christo et Jeanne-Claude, Le reichstag (parlement allemand) emballé, 1995, land art.

Conclusion
Tous les arts visuels, jusqu’à l’invention du cinéma, étaient marqués par l’idée du temps arrêté. Si certains artistes, comme Turner, avaient essayé de donner la notion de mouvement par des effets picturaux, d’autres superposèrent plusieurs moments sur une toile, comme Marcel Duchamp dans son "Nu descendant un escalier" (1912). Il faut aussi citer les futuristes italiens, qui se spécialisèrent dans la représentation de la vitesse, symbole du futur.
Si l’action des pièces de théâtre classique était censée se passer dans une unité de temps et de lieu, le cinéma allait, avec le montage, permettre toutes les fantaisies. On se souvient des trucages artisanaux et effets spéciaux de Georges Méliès (1861-1938). La vidéo ou la télévision, si proches du cinéma, ont développé leur propres spécificités artistiques.
La bande dessinée, avec la réunion du texte, de l’image et de la narration par séquences peut aussi être considérée comme un art.

Les arts ont été classés par catégories au cour du temps, et en fonction de leur « importance ». ceci peut être bien évidemment discuté et contesté mais cette liste, autrefois fermée, s’ouvre peu à peu aux nouvelles formes d’expression :

1er art : L’architecture
2ème art : la sculpture
3ème art : la peinture
4ème art : la musique
5ème art : la danse
6ème art : la poésie
7ème art : le cinéma
8ème art : vidéo et télévision
9ème art : la bande dessinée

A suivre ?

KM ;o)